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A tout de suite!

© Brigitte Enguérand

Avec Extinction, Serge Merlin (et ses complices Blandine Masson et Alain Françon) réussit à créer une chose théâtrale que je n’avais encore jamais vue auparavant et qu’on pourrait qualifier de « lecture jouée ». La performance de Serge Merlin va bien au-delà d’une simple lecture et d’une simple modulation de la voix pour évoquer les émotions des personnages. Il incarne littéralement son personnage jusqu’à ne sembler ne faire qu’un, alors même que la forme reste malgré tout celle d’une lecture. J’avais finalement moins l’impression de voir un acteur lire une pièce qu’un personnage qui lirait ses lettres ou, perdu dans ses souvenirs, se les remémoreraient à voix haute, ou serait en dialogue avec un autre personnage. Je crois qu’elles sont bien rares ces lectures qui vont au-delà d’une simple retranscription orale du texte et qui donnent véritablement du corps et de la vie aux mots. C’était d’autant plus frappant que le Franz-Josef Murau (alter ego de Thomas Bernhard, l’auteur du roman dont est adapté le texte de la lecture) incarné et lu par Serge Merlin est de ces personnages passionnés et sombres, désespérés mais profondément clairvoyants.

A l’occasion d’un télégramme lui annonçant la mort subite dans un accident de voiture de ses parents et de son frère, il se remémore Wolfsegg, le domaine familial honni qu’il a fui. Il se souvient de son enfance au sein d’une famille qu’il n’aime pas et qui l’accuse de cultiver des « idées aberrantes » quand il s’enferme dans la bibliothèque. Il se souvient du mercantilisme et de la lâcheté de son père et de sa mère, des moqueries de ses soeurs. Mais il se souvient surtout des nazis qui ont trouvé refuge au sein du domaine à la fin de la guerre, cachés dans la Villa des enfants à jamais souillée. Si l’humour noir et l’ironie assez dévastatrice qu’utilise Franz-Joseph Murau pour décrire les siens et leurs pratiques, dont le ridicule est encore accentué par la voix à la fois déchainée, folle d’indignation et tremblante de colère de l’acteur, font naitre le rire, ce dernier reste au fond de notre gorge tant ces souvenirs enserrent le personnage comme la corde autour de l’homme qui sera pendu. Même en ayant fui le domaine filial pour Rome et en n’ayant gardé comme seul contact avec ses parents qu’une vieille photo rangée au fond d’un tiroir, le souvenir de ces nazis clandestinement logés comme des princes chez lui et d’un règne « national-socialiste-catholique » qui pesa un temps sur son pays le taraude et le mortifie. Ce n’est pas seulement l’extinction d’une famille, ou d’êtres abominables, mais c’est aussi sa propre extinction qui se prépare et qu’il pressent. Il y a ainsi dans les paroles de Franz-Joseph Murau cette folie grandiloquente mais lucide, qui rit des conventions puisqu’elle en a désormais dévoilé toutes la futilité et qui le fait ainsi s’autoproclamer le roi de « l’art de l’exagération » ; mais aussi une profonde amertume et une colère noire contre le nazisme que son mépris pour ces gauleiters ne suffit pas à atténuer, ainsi que le pressentiment d’une fin déjà acceptée. Cette voix qui renferme tant de sentiments à la fois, et qui émane d’un homme âgé dont les rides évoquent à la fois la sagesse et une certaine souffrance, est captivante, mais surtout profondément bouleversante.

Il n’y a qu’un seul bémol dans cette lecture formidablement jouée donc, qui est le choix de placer l’acteur sur une scène extrêmement sombre à peine éclairée par 4 projecteurs autour de la table où il s’assoit. En règle générale, je crois que rester attentif pendant une lecture, où il n’y a pas d’action sur scène, demande plus d’efforts qu’un spectacle habituel ; mais alors il est encore moins aisé de garder sa concentration sur un homme plongé dans une quasi obscurité pendant une heure quinze.

Mais ceci étant dit, la performance de Serge Merlin reste proprement fascinante et émouvante, tant dans sa manière de vivre le texte plutôt que de le lire et d’incarner le personnage plutôt que de le raconter ; que dans la folie pénétrante de son personnage.

On en tire les conclusions qu’on veut, mais c’est aussi une manière de dire que les publics de l’un peuvent être aussi les publics de l’autre, qu’il n’y a pas d’un côté les braillards supporters de foot et de l’autre les intellos qui discutent de Brecht, mais qu’on peut être les deux en même temps au-delà des clichés habituels. Sympathique, non ?

Source : what’s on stage.

Alice, et cetera rassemble trois pièces courtes de Dario Fo et Franca Rame qui traitent de la femme, de la femme et de l’homme, du couple, du sexe, et puis surtout de la femme au final. Bien qu’ayant lieu dans une Italie des années 1960 où les bourgeois raillent les intellos féministo-gauchistes et se demandent à quoi peut bien servir cette révolution sexuelle si ce n’est à apporter plus d’embêtements dans le couple, l’ensemble conserve une certaine actualité et une fraicheur toute irrésistible.

Je dois avouer que l’interprétation de la première pièce (Alice au pays sans merveilles) m’a fait pour le moins froncer les sourcils : multiplant l’Alice en trois Alice candides mais toutes sexy avec leurs jolies robes courtes de couleur vive et leurs longs cheveux, elles content leurs aventures dans un pays bardé de frigos qui veulent les écraser et d’arbres membrés qui cherchent à les… bref. Imaginer trois ingénues se faire balader dans une contrée métaphore d’une vile société consumériste et machiste où elles se cognent tous les trois mètres à des pénis et des publicités qui leur ordonnent d’acheter le dernier produit crétin, cela aurait pu effectivement être épicé et drôle ; mais le côté hystérique, surjoué et parfois même un peu cheap de la mise en scène fait que je n’ai pas vraiment accroché. Pourtant les trois Alice trouvent leur place dans la suite en étant comme des sortes d’anges-gardiens malicieux des femmes des deux pièces suivantes, apportent une forme de fil rouge qui relient les trois pièces entre elles et servent à quelques uns des effets comiques les plus efficaces de la pièce.

La deuxième pièce, Je rentre à la maison, met en scène une femme entre deux âges qui s’enfuie de chez elle à la suite d’une dispute de plus avec un mari qui ne « dépasse pas les 21 secondes » au lit. Mais elle va rencontrer un collègue avec qui elle aura une aventure pour le moins piquante, sans vous conter la fin qui est un petit sommet d’absurdité drôle. Au début, j’étais un peu perplexe par rapport au choix d’un homme pour interpréter ce rôle de femme, ce qui oriente forcément le personnage vers une attitude et un parler assez précieux, les gestes maniérés, les yeux qui vont en l’air, les cris aigus… Ce qui peut faire perdre de la crédibilité ou de la force au personnage. A la fin de la pièce, j’ai pensé que c’était pour rester en cohérence avec la direction résolument burlesque de l’ensemble de la pièce, ce à quoi contribue effectivement bien le choix d’un homme pour jouer le rôle de cette épouse désabusée qui retrouve goût au sexe dans les bras d’un amant pour le moins inattendu. Il faut dire que Sébastien Amblard est un excellent acteur qui interprète à merveilles les émois, le désarroi comme la joie la plus folle de son personnage qui en devient au final très touchant.

Enfin, la troisième pièce, Couple ouvert à deux battants, s’ouvre sur une énième tentative de suicide d’une femme, désespérée face à son mari volage qui collectionnent les conquêtes comme d’autres collectionnent les timbres. Lorsque ce dernier tente de la convaincre des bienfaits du couple ouvert, elle finit par accepter à contre-coeur, mais celui qui pensait être le vainqueur se verra bientôt cruellement désarçonné… C’est l’habituel schéma du mari adultère sans scrupule et sans vergogne, roublard et macho, et de la femme désespérée qui n’en peut plus de l’attendre à la maison en se rongeant les nerfs ; puis le retournement de situation, la femme qui prend le dessus et se révèle être la plus fine, le mari qui est ridiculisé et roulé dans la farine. Il est toujours difficile d’aller au-delà des « trucs » habituels du vaudeville de base mille et une fois vus et revus et de ne pas sombrer dans des effets comiques bateau qui ne feront rire que les plus disposés à rire. Mais Couple ouvert à deux battants parvient à relever avec brio le défi en proposant une mise en scène qui certes exagère les traits des personnages sans néanmoins tomber dans le profondément grotesco-vulgaire. L’habituelle histoire du mari et de la femme est vivement rehaussés par le talent des deux auteurs. Surtout, leurs deux personnages ont des personnalités un peu plus travaillées que dans d’autres pièces du genre : la femme est parfaite dans sa reconquête de soi-même, son ton moqueur et revanchard ; l’homme en rajoute dans le côté mâle dominant qui bien que malin finit par sombrer dans la jalousie et la panique dés lors que sa femme lui échappe. Les deux sont finalement des adversaires à niveau égal et cette confrontation en devient vraiment intéressante. Ils oscillent entre la caricature impossible et les situations ubuesques que pourtant seule la réalité peut créer, et finissent par atteindre un juste équilibre. Par ailleurs, certaines situations en elles-mêmes sont franchement cocasses et les rires ne peuvent que fuser.

Alice et cetera – extrait du spectacle
envoyé par WebTV_du_Rond-Point. – Découvrez plus de vidéos créatives.

Bien que posant un regard largement railleur sur ce couple bourgeois qui s’essaye aux aléas du couple libre et un regard préoccupé pour ces femmes qui cherchent à s’émanciper, la pièce cherche surtout à faire rire (échoue dans la première à mon avis, mais y réussit très bien dans la deuxième et surtout la troisième pièce), fait le pari du burlesque tout en faisant un clin d’œil aux femmes qui finalement s’en sortiront toujours, accompagnées de leur malicieuse Alice personnelle qui est là pour apporter sourire et liberté joyeuse. Cela faisait longtemps que je n’avais pas autant ri dans une pièce, et c’est un excellent changement.

L’illusion conjugale pose le triangle habituel de la femme, du mari et du meilleur ami du mari qui… On ne sait pas trop. C’est sans doute là l’intérêt principal de cette pièce qui ne révolutionne sans doute pas le genre mais qui propose une fin pour le moins maligne. Mais reprenons depuis le début : Jeanne décide de faire les comptes avec son mari Maxime en lui soutirant le nombre de conquêtes hors mariage. Si ce dernier avoue un certain nombre d’aventures, elle n’en avoue qu’un seul qui a duré plusieurs mois, ce qui rend à moitié fou le mari qui cherche à tout prix à savoir qui est le coupable. Ses soupçons se portent sur Claude, son meilleur ami, qu’il invite à déjeuner pour en avoir la confirmation. Jusque là, la pièce se déroule comme une habituelle comédie avec une femme faussement ingénue, qui derrière sa manie d’étirer les syllabes comme une élégante légèrement décérébrée cache son petit jeu, et le stéréotype de l’homme-coq bourgeois qui a réussi sur tous les niveaux (professionnel, personnel inclus conjugal et extra-conjugal, même automobile) mais qui ne peut s’empêcher de tomber dans les travers du mâle possessif et de mauvaise foi et de jouer le sot quand il se retrouve dans une situation délicate. La pièce prend du piquant à l’arrivée du meilleur ami, lorsque le jeu s’installe, lorsque ce que le public et le mari soupçonnent se confrontent à l’attitude de la femme et du meilleur ami, lorsque les phrases à double sens et les regards chargés de signification peuvent apparaître comme tels tout comme ils pourraient très bien être innocents. Cette incertitude perdure jusqu’à la fin de la pièce où le rapport de forces se trouve inversé : la femme qui apparaissait comme la victime dans un couple où le mari a multiplié les coucheries se révèle finalement être celle qui a tiré les ficelles de l’intrigue. Il y a une certaine jouissance à laisser le mari douter ce que lui-même et spectateurs sont convaincus. Ce mystère est donc certainement l’attrait essentiel de cette comédie, ainsi qu’une certaine surprise dans une pièce qui dans l’ensemble est d’assez bonne facture (très bons comédiens, décor sobre, pas d’effets comiques vraiment grossiers chose qui me fait toujours un peu peur), mais reste classique et relativement prévisible dans ses effets comiques. Certaines répliques sont drôles et pour le moins acérées, et on rit de certains poncifs bourgeois, mais d’autres ressorts comiques s’étirent en longueur et, même s’ils peuvent être intéressants en soi, ont déjà été vus et revus et perdent donc de leur attrait (comme par exemple cette morale totalement adaptable à ses intérêts qu’a le mari qui peut faire rire un moment mais guère plus).

Au final, la première partie de cette comédie est plutôt ordinaire et peu surprenante, avec les personnages du mari et de la femme assez intéressants mais pas exceptionnels non plus, ce qui comporte un certain risque de vague ennui. Mais le personnage du meilleur ami plus ambiguë et plus intriguant que les deux autres, ainsi que le dénouement qui n’en profite pas pour verser dans une morale bateau du type « il s’est bien fait avoir le salaud » mais s’amuse simplement du retournement de situation, tout en ayant un ton un peu mélancolique qui donne un peu de substance à l’histoire, font tout l’attrait de la pièce, ce qui fait que j’en suis ressortie, sans être particulièrement emballée, avec quand même un sentiment plutôt positif.

Extrait vidéo ici.

La Confusion des sentiments narre la rencontre entre un jeune étudiant allemand dans les années 1910 et son professeur de littérature anglaise et spécialiste de Shakespeare. Entre ce jeune homme dont l’énergie et la passion ne demandaient qu’à être transférés des bas-fonds de Berlin où il trainait ses pieds de cancre à la beauté de la littérature, et ce vieux professeur au verbe distingué et flamboyant, se développe une relation pour le moins troublante. L’étudiant est fasciné et envouté, et bien qu’entre les deux hommes vienne se glisser l’épouse du professeur, une jeune femme qui voudra protéger l’étudiant en le soustrayant à l’emprise du professeur, ce dernier saura nourrir la forme de sujétion sous laquelle il maintient son élève en le repoussant et le flattant à la fois, jusqu’à la révélation finale…

Il n’était certainement pas chose aisée d’adapter le superbe roman de Stefan Zweig au théâtre. Je ne peux bien entendu m’empêcher de comparer la forme originale et son adaptation, et de regretter que par rapport au roman, la pièce ne traduisait pas avec suffisament de force et d’émotion premièrement le bouleversement émotionnel et intellectuel magistral qu’opèrent les paroles du professeur sur l’étudiant, tant dans sa façon d’aborder le travail, de comprendre la littérature et finalement de vivre, et pourquoi ce bouleversement s’opère. On voit bien dans la pièce que l’étudiant se trouve en proie à une forme de folie et se retrouve littéralement sous l’emprise du professeur, mais on ne dit pas assez que c’est bien plus que cela, et que toute son existence s’en trouve subvertie, comme on ne montre sans doute pas assez pourquoi les paroles du professeur ont tellement d’impact (et j’imagine bien certains spectateurs se dire « oui il parle bien, et alors, ça ne justifie pas une telle déraison… »). D’autre part, il est dommage que le secret du professeur soit assez évident et gâche le suspence de la pièce. Les auteurs sont tous excellents et expriment très bien cette « confusion » entre la souffrance induite par la répression de ses pulsions, et l’exaltation due au bonheur de se rencontrer. Je ne sais trop si c’est l’histoire qui a mal vieilli et dont le dénouement en serait devenu trop évident pour nos yeux de spectateurs à qui on ne la fait pas, ou s’il aurait fallu plus de retenue dans les acteurs, mais toujours est-il que le dénouement est quelque peu trop simple à deviner et c’est bien dommage…

Par ailleurs, la pièce est entrecoupée d’extraits de pièces de Shakespeare qu’étudient le jeune homme et le professeur, reflétant les relations, les désirs et les inquiétudes des personnages. Par exemple, un extrait de la scène où Othello étouffe son épouse Desdémone en pensant qu’elle l’a trahie en le trompant avec un autre ; devant refléter les sentiments contradictoires de l’étudiant, tiraillé entre son envie d’être avec l’épouse de son professeur et la peur de trahir ce dernier en fréquentant sa femme. Bon. C’est une idée intéressante de vouloir faire ce parallèle, mais elle desservait plus la pièce qu’autre chose, en la détournant de son objet essentiel qui sont les personnages eux-mêmes. Tout comme par ailleurs desservait la musique présente presque de manière discontinue dans la pièce, qui alourdissait la pièce et avait tendance à la dramatiser inutilement. Il aurait peut-être été préférable je pense de se recentrer sur les trois personnages, plutôt que de se perdre un peu dans ces extraits de Shakespeare et de plomber le fond sonore avec une musique quasi perpétuelle.
Au final, il reste l’attrait de ce triangle et la description de la relation trouble entre les trois personnages, la beauté des phrases de Zweig et d’excellents comédiens, mais la complexité de la relation et de la personnalité des personnages n’est pas suffisamment traduite dans la pièce, qui manque par ailleurs d’une certaine émotion et surtout d’une certaine tension qui devrait saisir les spectateurs autant que celle qui s’empare des personnages.

Le Mystère du bouquet de roses est la rencontre entre deux femmes dans une chambre d’hôpital en Argentine, une vieille dame aisée et pour le moins revêche qui se complaît à dire qu’elle va très mal, et son infirmière, une femme entre deux âges, docile mais compétente. Les deux femmes portent chacune leurs malheurs et leurs secrets qui les hantent dans leurs rêves. Leur famille ne les a pas vraiment comprises, elles ont souhaité faire quelque chose de leur vie, mais cette dernière leur en a empêché et les hommes ne leur ont sans doute pas donné la clé du bonheur. Malgré toutes leurs différences d’âge et de classe, leurs petits affrontements, les cachotteries et la méfiance de l’une, le public – et elles deux! – se rend compte au fur et à mesure qu’elles sont les deux facettes d’une même identité féminine qui, malgré les poids du passé, peut finalement s’allonger gaiement sur un lit d’hôpital et manger des « douceurs » en s’imaginant une belle vie.

Après la représentation, j’ai entendu (bon d’accord, j’ai écouté un peu…) dans le métro une des spectatrices dire (à peu près) que les gens pendant le spectacle étaient vraiment très froids, qu’ils ne riaient même pas, alors que la vieille femme, la grand-mère acariâtre était vraiment typique, tout à fait représentative du genre, irrésistible… Je suis d’accord avec le fait que le personnage interprété, par ailleurs d’une très belle manière, par Christiane Cohendy, était vraiment caractéristique de la vieille grand-mère un peu toquée, difficile à vivre et légèrement conservatrice sur les bords, mais qui garde tout son charme. Par contre, que ses répliques de vieille dame ou ses mimiques fassent rire autant que la pièce l’aurait souhaité, je n’en suis pas si sûre. Je cherche l’explication de pourquoi cette pièce qui, comme les Naufragés, a pas mal de clés en main – un texte, un sujet, des personnages intéressants, de très bons acteurs, des metteurs en scène qui ne sont pas nés de la dernière pluie et les moyens technico-financiers de faire les choses à peu près bien – finit par n’être qu’une pièce correcte, qui n’émeut pas plus que ça, surprend encore moins, et pendant laquelle, même si je perçois les intérêts divers de la pièce cités précédemment, finit par m’ennuyer passablement. Je vous promets que je détesterais passer pour une de ces personnes blasées, qui pensent que tout est mauvais du haut de leur très haut jugement et qui balaient tout d’un revers de main. Et que s’il y autant de critiques négatives sur ce blog, ce n’est pas par pur plaisir sadique (de taper sur les autres hinhinhin) et/ou masochiste (voir des trucs que je n’aime pas hinhinhin bis), mais parce que bon sang, peu nombreuses sont les pièces qui, en ayant des histoires et des personnages intéressants, un propos et de la cohérence dans les intentions et le résultat, remuent un tant soit peu quelque chose à la surface ou surprennent vraiment. Le fait est que pour ces deux pièces, on a la première partie (et c’est déjà pas mal), mais il manque un ou plusieurs quelques choses qui feraient que je ne me dise pas « oui, bon, d’accord, mais ensuite ? » et que je ne m’embêterais pas légèrement pendant le spectacle. Le Mystère du bouquet de roses est une jolie pièce, grâce à des personnages assez touchants, d’excellentes actrices et un décor épuré qui n’écorche pas les yeux, mais elle ne parvient pas à exploiter vraiment son potentiel pour la pièce devienne plus émouvante et crée vraiment l’empathie avec ses personnages, ainsi que plus surprenante et plus marquante aussi.

Les Naufragés est une pièce qui avant tout pose une question très intéressante et assez fondamentale : à qui appartient l’art ? Peut-on déposséder l’artiste de son œuvre au nom de l’Art (avec un grand A) ? Elle tente d’y répondre à travers les deux personnages d’un commissaire priseur et d’un marchant d’art, et épingle l’arrogance, le mépris et cette folie qui peuvent habiter le milieu de l’art contemporain. Les deux se retrouvent dans un hôtel chic au bord de la mer, à la veille d’une importante vente de peintures. Or celles-ci ont été mises en vente par le marchand d’art contre la volonté de l’artiste qui voulaient que ses oeuvres soient détruites. Ce dernier a même séjourné en prison après avoir agressé son ancien mentor. Tous – le marchand d’art, le commissaire priseur et son épouse, bientôt rejoints par un critique d’art et sa compagne – craignent l’arrivée de l’artiste. Mais un autre drame se profile, alors que la tempête fait rage et qu’une barque échoue près de l’hôtel…

C’est une pièce à double facettes, deux drames étant liés à deux secrets occultés par les deux personnages principaux, chacun incarnant deux différentes formes de déchéance, mais révélant une même forme d’immoralité. Le personnage de Golz en particulier, le marchand d’art, est assez fascinant : homme intelligent et au beau verbe, provocant et impitoyable, il ne redoute pas d’affirmer son mépris pour les artistes, des êtres inconscients qui sans lui n’auraient jamais été capable d’accoucher de leurs oeuvres, et son seul amour pour l’art. De l’amour ou de la cupidité, cette vente allant lui rapporter gros ? A quel point les deux se confondent restera toujours flou, tout comme ses propos restent à cheval entre extrémisme destructeur et lucidité cruelle. Sa personnalité attire par sa superbe, et en même temps repousse par son cynisme. Si Golz incarne une sorte de déchéance flamboyante, Lansac le commissaire priseur est plutôt l’incarnation de la lâcheté et de la bassesse. Mais la fin de la pièce leur réserve le même sort et révèle l’ignominie de leurs actes, que l’un a commis au nom d’une belle cause qui ne souffre pas de concession, et l’autre par lâcheté. La pièce va au-delà du simple lien art et argent. Ce n’est pas seulement l’argent qui pousse à la folie, mais aussi l’arrogance, la croyance très prétentieuse que l’oeuvre dépasse l’homme et qu’ainsi cela vaut la peine de sacrifier les hommes pour l’oeuvre. Quant à ceux qui au début de la pièce paraissaient les plus faibles – Léa, la compagne du critique d’art, jeune femme impétueuse et désapprouvant les manières de Golz, et le barman – ils s’avéreront être au final les plus sages.

Si le récit et les personnages de la pièce sont plutôt intéressants, et son sujet traité avec pertinence, la pièce perd en force et en attrait en raison d’une certaine lenteur dans le déroulement. Il n’y a pas de changement de scène et les acteurs économisent leurs mouvements. Les scènes sont faites et coupées de telle manière qu’on ait l’impression qu’on zoome sur une partie d’un tableau. Ainsi les comédiens apparaissent parfois trois secondes dans une position sans dire un mot, sont plongés dans le noir comme dans un flash et réapparaissent dans une autre disposition et s’entame alors les répliques. Idée intéressante d’une mise en scène en forme de zoom sur un tableau, puisque nous sommes en plein dans le sujet, mais qui dessert la pièce en ce qu’elle la rend en quelque sorte immobile. Le spectateur est encore moins facilité par un langage assez soutenu. Ce n’est pas gênant en soi, mais l’ensemble fait qu’on se surprend à décrocher pendant la pièce alors même que le sujet et les personnages sont tout à fait intéressants (et que par ailleurs les comédiens délivrent une très bonne performance). Le fait est qu’on devine assez bien le dénouement de l’un des drames, et cela gâche le suspense de cette pièce qui se veut construite comme un thriller. Au final, je me suis retrouvée face à une pièce qui, comme dit précédemment, a bien des cartes en main mais finit par créer l’ennui.

Je crois que pour les deux pièces, malgré toutes leurs qualités, il y avait un problème de rythme et de suspense, de capacité à attirer l’attention du spectateur, à créer l’empathie. Les deux pièces ne nous disent rien de particulier qu’on ne sait déjà, n’apporte pas d’éclairage nouveau sur les thèmes traités, et ne nous surprend pas du point de vue de la mise en scène. Mais au-delà de ça, je commence à me demander si ce n’est pas parce que les personnages comme l’histoire comme le décor comme toute la pièce au final ne donnent pas un sentiment de déjà-vu.

Mais donc puisque le temps semble tout relatif, je prendrai tout mon temps pour m’y remettre. En attendant, amis lecteurs, profitez bien de ce charmant début de printemps.

N’ayant bien entendu pas vu la pièce, je ne saurais dire à quel point cette initiative est efficace. Néanmoins cette manière de mêler comédiens et spectateurs (ces derniers vont même jusqu’à goûter les samossas préparés en direct, bon mais ça encore c’est vrai que faire manger le public pendant le spectacle se fait déjà relativement souvent) et de briser les barrières est vraiment intéressante, surtout à un moment où parmi ceux qui ne vont pas au théâtre disent qu’ils sont intimidés par le côté bourgeois, les fauteuils rouges, les machins compliqués, etc. Il serait en tout cas sympathique de savoir jusqu’où va l’interaction entre le public et les comédiens (si par exemple les spectateurs doivent prendre parti pour une telle, etc.).

NB. Sur ce site, le 20 mars on pourra assister à une retransmission en direct du spectacle avec une petite discussion avant et après la pièce.